El 15 de mayo de 2023 June Crespo anotó en su diario:

“Subida a una escalera, me fijo en las aperturas del molde con la ferralla entrando.
Miro lo más profundo que alcanzo. Entra ligeramente la luz en una parte baja.
Las paredes más finas de escayola traducen el espacio negativo que había anteriormente entre los cuerpos.
Tienen bordes orgánicos.
Me recuerda a una visión interna de un molde que hice hace años. En aquella ocasión, el espacio vacío entre las piernas y la cadera de un maniquí parecía un espacio arquitectónico.“

Se trata de una anotación del “diario Vascular”de June Crespo y que sin explicar del todo esta exposición, sí constituye un ensayo de las particularidades del universo creativo de June Crespo. Es cierto que escribir un diario no era una práctica habitual en su trabajo, sin embargo, con motivo de su exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao, el año pasado, se publicó en el libro que acompañaba la muestra una serie de anotaciones, organizadas cronológicamente, que daban testimonio del proceso de preparación de la exposición. Hay repetidas alusiones tanto a lo físico, lo sensorial y lo personal como a los procesos técnicos y materiales. Las referencias a otras obras, otras artistas y otras exposiciones generan un cúmulo de imágenes que la artista aborda como un flujo que permea directamente sobre su propio lenguaje. Las reflexiones sobre la escultura, la escala, la distancia, la mirada o el tacto, ocupan el mismo espacio en su imaginario artístico que otros episodios más íntimos. Una pequeña selección de imágenes que también se recogen en el libro de su mencionada exposición “Vascular”, plantean un paisaje que recorre sus contextos más cercanos (Elena Aitzkoa, Lucía C. Pino, Julia Spínola, Claudia Rebeca Lorenzo o David Bestué) y otros lugares más simbólicos de la escultura contemporánea (Isa Genzken, Bruce Nauman o Doris Salcedo, por citar unos pocos) y que en la mirada y recapitulación de June Crespo forman parte de los mismos recorridos y lecturas.

Para su segunda exposición individual en la Galería Ehrhardt Flórez, bajo el título SOLAR, June Crespo propone un lugar de encuentro o de coexistencia de obras de naturaleza diversa, donde toda jerarquía pierde sentido. La muestra aborda motivos recurrentes en la práctica más reciente de June Crespo proponiendo una voz transformadora a través de los conceptos que de una u otra manera han marcado el arte vasco y la escultura internacional de los últimos años. Como ha señalado el comisario Manuel Cirauqui en alguna ocasión, si la escultura vasca se apoya en algunos asuntos que están presentes en el propio territorio, tanto su pasado industrial, sus mitologías y sus luchas sociales, que sin duda están entreveradas en el tejido industrial político y económico, June Crespo, al haber crecido con ello, es también portadora de esos debates y parte fundamental de la vitalidad y vigencia de los mismos. Para esta exposición, uno de los puntos de partida responde de nuevo a las determinadas características del espacio, haciendo que las obras articulen sus llenos y vacíos. Crespo ha trabajado con la repetición, la insistencia y la variación de unos patrones que precisamente se muestran nuevos por insistentes. Los soportes de producción industrial, la proliferación de formas vegetales, tubulares y circulares que se dan en la escultura, así como la morfología de las flores son elementos vivos y presentes en su práctica. El cambio de escala de un elemento botánico, la redimensión de algunos tipos de flor (en esta exposición la strilitzia y el iris concretamente), vertebran su producción más reciente. La flor para June Crespo es un motivo a atravesar, una excusa, una forma en tránsito, que permite un desplazamiento y un desvío en la forma inicial.

SOLAR nos habla de una cualidad diurna que tiende a una postura erguida, expansiva y afirmativa. El antropólogo Gilbert Durand asocia además el régimen diurno a lo heroico y a cierta polarización. El paso de los mamíferos a la postura erguida podría entenderse como un acto heroico que se ha logrado paso a paso durante millones de años de adaptaciones motrices y anatómicas.

La ausencia del sol nos habla de lo nocturno como un espacio donde las cualidades aparentemente opuestas se presentan en un mismo plano. Durand asocia el régimen nocturno con lo cíclico, rítmico y sexual.
Las cualidades de régimen diurno y nocturno parecen estar presentes en el trabajo escultórico distribuido en los diferentes espacios de la galería.

En la sala principal de la galería, nos encontramos dos esculturas exentas, de hormigón, tituladas “dancing column (I)” y “dancing column (II)”.
Estas esculturas de hormigón se anclan en un movimiento simultáneo de suspensión y gravitación. Parecen apoyar de forma robusta sobre el suelo aunque estén acolchadas y mullidas por la utilización de otros materiales que transitan la forma del molde escultórico, y modulan la naturaleza originalmente industrial de estas piezas. Aquella deriva dura y pétrea incorpora así un elemento de confort, más vulnerable y móvil, que bien como cojín o bien como colchoneta desmembrada, sofistican las obras y amortiguan su hieratismo. Aquello que era superficie impenetrable, salvo por aquellas fisuras donde prendas textiles como chandals de táctel o chubasqueros marcaban vivos puntos de color en el material industrial, se proponen ahora como lugares de intensa permeabilidad.