Las pinturas sobre lino, por su parte, muestran unas figuras y poses parecidas, pero empleando materiales y procedimientos tales como tintes, arañazos, recortes y cosidos.

La Escuela de Barbizon y los primeros impresionistas franceses habían visto en los gestos simples de la estampa japonesa, en especial de aquellas pertenecientes al género Ukiyo-e, un método pictórico y un medio de representación que revolucionaría el desarrollo de la pintura occidental de finales del siglo XIX. Si la idea de pintura dejaba de estar sujeta a una compulsión plutocrática mostraría entonces una variedad de registros y temas como nunca antes se había imaginado. Por influencia de lo que se denominó como japonismo, algunas de estas nuevas técnicas pictóricas, vinculadas a la estampación, impulsaron los nuevos temas de la pintura moderna.

Hernández recupera ahora, en cierto modo, la simpleza del trazo del mundo flotante japonés. La inmediatez y rotundidad de lo gráfico junto con el lenguaje corporal expresado en el individuo y la intimidad de las escenas y la extrañeza de las poses representadas, descubre una nueva atmósfera pictórica que concentra lo simbólico y lo expresivo.

En estos nuevos trabajos ciertos métodos son propios de una pintura de trazo encadenado y fluido, mientras que otros están más próximos a la intermitencia de manchas y líneas. Unas veces la línea discurre suave y otras se marca con tosquedad y repetición. Su práctica, en relación a estos nuevos temas que su pintura plantea, es “discontinua”: algo se desliza y se interrumpe.

Se dice del músico Sonny Rollins que a menudo utiliza el ritmo en sí mismo; que su torbellino de improvisación, roto y fracturado, interpretado en intervalos, se ejecuta sobre un patrón rítmico y no sobre una melodía. Hernández traslada esta mecánica a la pintura. Cada figura, cada postura y cada color, ajustados en esta muestra a formatos estrechos y verticales, forman una unidad temática y compositiva. Cada momento en el curso de la acción pictórica, cada sección de una línea dibujando un cuerpo, se registra en pocos y esquemáticos trazos.

En definitiva, lo que se ve y no se ve ha sido a lo largo de los últimos años un aspecto esencial en la pintura de Secundino Hernández. Ha pintado por acumulación y por ausencia. Y en ambos casos lo invisible tiene una presencia innegable.
Si las pinturas se “lavaban” o se “vaciaban”, antes se habían construido a partir de lo que se retiraba. Y si las pinturas se “abarrotaban” lo que quedaba fuera de nuestra vista componía una parte fundamental del cuadro.

Ahora, visible o invisible, el proceso, con nuevas técnicas y temáticas, emerge como huella o memoria pictórica. Las figuras contorsionadas, en cualquiera de sus procesos (cosidas, pintadas, serigrafiadas o estampadas sobre inmensos campos de color), flotan como resonancia y eco de un trazo que es origen y fundamento de cada una de las piezas expuestas.